Rezension: Sabeth Wiese

Jedoch bemerke ich zunehmend, dass gerade die Designklassiker, mit denen ich aufgewachsen bin, Tore zu Erinnerungen aus meiner Kindheit öffnen. Mehr noch als Gerüche, sind es für mich Gegenstände, die sich erfühlen und ertasten lassen, die man anschauen kann – ja, die man ganz einfach nutzt und zwar immer wieder – die bei mir den Weg in die Welt des Vergangenen eröffnen.
          Aber warum machen das gerade Designklassiker? Liegt es an ihrer Omnipräsenz in Katalogen, Instagram- und Pinterest-Welten, Filmen, Werbung sowie den zahllosen Wohnungen, in denen sie als Statussymbole für Menschen dienen, die sich nur mittelmäßig für Design interessieren? Werden sie gerade dadurch zu Objekten, die sich leicht mit Bedeutung (vor allem auch persönlicher Bedeutung) aufladen lassen, weil sie so omnipräsent sind? Gerade wer sich mit Design auseinandersetzt oder es studiert hat, kennt sie irgendwann in ihren Details, ohne sie physisch vor sich zu haben. Auf dieser Schwelle zwischen abstrakter Ikone und real erfahrbarem Gegenstand bilden sie besonders für mich Zugänge zu meinen Erinnerungen. Und kein Objekt ist für mich so mit Erinnerungen aufgeladen wie das Mono A. Eigentlich ist es ein harter und scharfkantiger Entwurf, man könnte ihm vorwerfen er sei unbequem, unhandlich, unpraktisch. Es ist fast schon unmöglich mit dem langen Messer ein weiches Brot mit kalter, harter Butter zu bestreichen, ohne dass das Brot von der Spitze zerfetzt wird.

Aber jenseits davon ist das Mono A für mich als Scheidungskind ein Bindeglied zwischen den beiden Haushalten meiner getrennten Eltern. Erstaunlicherweise (oder vielleicht auch gerade unerstaunlicherweise) haben sie zwei gänzlich unterschiedliche gestalterische Sphären über die Jahre herausgebildet: Auf der einen Seite findet sich eine durchdachte gestalterische Stringenz, die sich durch Einrichtung und Objekte zieht, und auf der anderen Seite ein liebevolles, eklektisches Sammelsurium. In beiden Elternhäusern war das Abendessen das Herzstück des Familienlebens, in beiden, einmal alt genug, musste ich den Tisch decken. Dabei spielt natürlich das Besteck eine zentrale Rolle. Es präzise auszurichten, bei jedem Teller exakt gleich zur Tischkante, war mein banaler, aber nicht unwichtiger Beitrag zum großen Ganzen.
          Wenn ich an das Mono A denke, denke ich zum Beispiel an das Festessen an Heiligabend mit beiden Elternhaushalten, ein zwangloses Zelebrieren der Gänge, die abwechselnd von meinem Papa und meiner Mama serviert werden, ein üppiges Gelage, eine heitere und wahnsinnig liebevolle Eskapade. Oder ich denke an meinen Papa und seine Frau, die sich beim Essen bissige Vorwürfe über den Tisch hinweg um die Ohren hauen und auf dem Höhepunkt des Streits das Mono A zur Seite legen, um sich wutentbrannt mit Scampis zu bewerfen. Und wenn ich an das Mono A denke, denke ich daran zurück, wie ich meine kleine Schwester in mieser Große-Schwester-Manier ständig belehrt habe, sie solle doch gefälligst auch mit Messer und Gabel essen. Für mich ist das Mono A nichts anderes als ein Symbol meiner Familie. So herrlich, so anstrengend, so eigen.

Deswegen verkörpert das Mono A für mich wie kein anderer Entwurf, wie wenig Gestalter:innen bestimmen können, was die Menschen, die ihre Entwürfe verwenden, am Ende damit assoziieren. Wie künstlich Konzepte werden können. Als Gestalterin ist das Mono A für mich ein Lehrstück, wie restlos sich ein Entwurf von seinen Gestalter:innen emanzipieren kann. Und das ist vielleicht auch das schönste, was einem Entwurf passieren kann, dass er so absorbiert wird von seinen Nutzer:innen bis er so sehr zu einem privaten Symbol wird, dass die Gestalter:innen und ihre großen Ideen egal werden.

GESTALT ERROR 409

Jedoch bemerke ich zunehmend, dass gerade die Designklassiker, mit denen ich aufgewachsen bin, Tore zu Erinnerungen aus meiner Kindheit öffnen. Mehr noch als Gerüche, sind es für mich Gegenstände, die sich erfühlen und ertasten lassen, die man anschauen kann – ja, die man ganz einfach nutzt und zwar immer wieder – die bei mir den Weg in die Welt des Vergangenen eröffnen.
          Aber warum machen das gerade Designklassiker? Liegt es an ihrer Omnipräsenz in Katalogen, Instagram- und Pinterest-Welten, Filmen, Werbung sowie den zahllosen Wohnungen, in denen sie als Statussymbole für Menschen dienen, die sich nur mittelmäßig für Design interessieren? Werden sie gerade dadurch zu Objekten, die sich leicht mit Bedeutung (vor allem auch persönlicher Bedeutung) aufladen lassen, weil sie so omnipräsent sind? Gerade wer sich mit Design auseinandersetzt oder es studiert hat, kennt sie irgendwann in ihren Details, ohne sie physisch vor sich zu haben. Auf dieser Schwelle zwischen abstrakter Ikone und real erfahrbarem Gegenstand bilden sie besonders für mich Zugänge zu meinen Erinnerungen. Und kein Objekt ist für mich so mit Erinnerungen aufgeladen wie das Mono A. Eigentlich ist es ein harter und scharfkantiger Entwurf, man könnte ihm vorwerfen er sei unbequem, unhandlich, unpraktisch. Es ist fast schon unmöglich mit dem langen Messer ein weiches Brot mit kalter, harter Butter zu bestreichen, ohne dass das Brot von der Spitze zerfetzt wird.

Aber jenseits davon ist das Mono A für mich als Scheidungskind ein Bindeglied zwischen den beiden Haushalten meiner getrennten Eltern. Erstaunlicherweise (oder vielleicht auch gerade unerstaunlicherweise) haben sie zwei gänzlich unterschiedliche gestalterische Sphären über die Jahre herausgebildet: Auf der einen Seite findet sich eine durchdachte gestalterische Stringenz, die sich durch Einrichtung und Objekte zieht, und auf der anderen Seite ein liebevolles, eklektisches Sammelsurium. In beiden Elternhäusern war das Abendessen das Herzstück des Familienlebens, in beiden, einmal alt genug, musste ich den Tisch decken. Dabei spielt natürlich das Besteck eine zentrale Rolle. Es präzise auszurichten, bei jedem Teller exakt gleich zur Tischkante, war mein banaler, aber nicht unwichtiger Beitrag zum großen Ganzen.
          Wenn ich an das Mono A denke, denke ich zum Beispiel an das Festessen an Heiligabend mit beiden Elternhaushalten, ein zwangloses Zelebrieren der Gänge, die abwechselnd von meinem Papa und meiner Mama serviert werden, ein üppiges Gelage, eine heitere und wahnsinnig liebevolle Eskapade. Oder ich denke an meinen Papa und seine Frau, die sich beim Essen bissige Vorwürfe über den Tisch hinweg um die Ohren hauen und auf dem Höhepunkt des Streits das Mono A zur Seite legen, um sich wutentbrannt mit Scampis zu bewerfen. Und wenn ich an das Mono A denke, denke ich daran zurück, wie ich meine kleine Schwester in mieser Große-Schwester-Manier ständig belehrt habe, sie solle doch gefälligst auch mit Messer und Gabel essen. Für mich ist das Mono A nichts anderes als ein Symbol meiner Familie. So herrlich, so anstrengend, so eigen.

Deswegen verkörpert das Mono A für mich wie kein anderer Entwurf, wie wenig Gestalter:innen bestimmen können, was die Menschen, die ihre Entwürfe verwenden, am Ende damit assoziieren. Wie künstlich Konzepte werden können. Als Gestalterin ist das Mono A für mich ein Lehrstück, wie restlos sich ein Entwurf von seinen Gestalter:innen emanzipieren kann. Und das ist vielleicht auch das schönste, was einem Entwurf passieren kann, dass er so absorbiert wird von seinen Nutzer:innen bis er so sehr zu einem privaten Symbol wird, dass die Gestalter:innen und ihre großen Ideen egal werden.